Avec Face au vent, Jacques Basler a souhaité travailler la matière en l’étirant vers le haut. La sculpture d’un mètre soixante met en scène un personnage affrontant les éléments – les subissant mais y résistant néanmoins, fort malgré sa maigreur extrême. Ses longues jambes donnent une impression de grandeur tout en évoquant les racines d’un chêne ancrant solidement l’arbre dans le sol. Étiré vers le ciel, ce personnage filiforme rappelle indéniablement les personnages du très célèbre artiste Alberto Giacometti.
Le public est pris d’une paradoxale impression lorsqu’il regarde l’œuvre. À la crainte que le personnage s’envole face au vent et aux éléments violents de la nature, succède la certitude que rien ne pourra jamais le mettre à terre, ni entraver son avancée.

En contemplant les œuvres de Jacques Basler, le choix du bronze comme matériau de prédilection semble évident. En effet, cet alliage de cuivre et d’étain, utilisé en sculpture depuis la plus haute Antiquité, est à la fois extrêmement malléable et très résistant. Et ainsi semblent être les œuvres de Jacques Basler, alliant souplesse et entêtement, fragilité et force, courbes et angles aigus. Par exemple dans Face au Vent, la matière semble avoir été étirée jusqu’à son point de rupture, on s’attendrait presque à ce qu’elle casse comme un fil de verre. Mais en même temps, elle reste solidement amarrée, pleine de force, obstinément résistante.

« Quand je commence une sculpture, je pars systématiquement d’une idée, mais à mi-chemin le hasard prend le relais. Indépendamment de sa taille, c’est toujours la sculpture qui me guide, c’est elle le patron. »

Jacques Basler, interview par Jeff Gianadda

Avec Emmène-moi, Miroir ou encore l’Idylle, Jacques Basler décline la thématique de l’entrelacement des corps. Ses personnages, toujours étirés, sont en partie absents, présentant des corps troués, parcellaires, aux membres manquants. Mais derrière leur effacement demeure la force de leur tendresse, de leur attraction réciproque ou encore de leur joie.

Dans Miroir, un bronze d’un mère soixante, le reflet fait partie intégrante de l’œuvre. Sans l’effet d’optique apporté par le miroir, difficile de percevoir le couple tendrement enlacé sous la matière brute.

Le public aura aussi la chance de découvrir Féminité II, un buste de femme de soixante et un centimètres aux courbes à peines esquissées mais indubitablement féminines, ainsi que la mystérieuse et élancée Intimité.

Afin de programmer votre visite, n’hésitez pas à contacter la galerie au +41213110406

Réalisée par l’artiste colombien Fernando Botero, l’œuvre fait plus d’une tonne et représente deux danseurs, face à face, formant un duo voluptueux. Le côté massif de l’œuvre rompt étonnamment avec l’harmonie, l’énergie, la légèreté et la fluidité qui se dégage des pas de danse de ce duo d’exception. C’est comme si on était transporté dans une Milonga, devant un couple de deux danseurs de tango argentin, dont la grâce n’égale que la volupté. On a presque l’impression que ce binôme va nous emporter dans un tourbillon de bonheur, de joie et d’ivresse pour un voyage éminemment exotique, jusqu’au bout de la nuit. Pourtant, si les heureux danseurs semblent s’envoler vers un autre continent, l’imposante sculpture reste, elle, bien encrée sur place. Un paradoxe et une prouesse étonnante que Botero a su exploiter à merveille.

Cette œuvre est à l’image du parcours de l’artiste qui n’a eu de cesse de chercher à rendre palpables des formes voluptueuses afin que le public puisse entrevoir et apprécier « une  alternative poétique à la réalité ». La sculpture s’inscrit parfaitement dans la longue suite des œuvres de Fernando Botero qui a toujours cherché à coller à l’histoire de l’art européen et notamment de l’art italien, espagnol et français ; tout en s’intéressant avant tout aux traditions et à la société latino-américaine. A chaque fois qu’on a la chance d’être en contact avec une œuvre d’art de Botero, c’est une occasion de découvrir un peu plus en profondeur les coutumes centenaires d’un continent. Si cette sculpture évaluée à 2 millions de francs suisses est imposante, elle doit, comme le rappelle Botero, « donner l’envie de toucher ».

« La sculpture doit donner l’envie de toucher, car à ce moment là on reproduit le geste du sculpteur… tout ça s’est fait en caressant cette forme… tout ça c’est sensuel ».

Fernando Botero

Le projet New York City Ballet Art Series, dont relèvent la plupart des œuvres présentées durant l’exposition au Beau-Rivage Palace de Lausanne, a commencé durant l’hiver 2014. L’artiste avait été invité à créer créer une installation au sein du célèbre New York City Ballet. A cette occasion, le photographe a collaboré avec les danseurs afin de réfléchir à la réalisation d’une série d’œuvres photographiques très originales. Ainsi, les membres de la compagnie se sont mis en scène sous les directives et sous le regard du célèbre photographe JR. L’artiste a pu capter les gestes des danseurs et danseuses durant leurs répétitions.

En compagnie des danseurs et danseuses, il s’est concentré sur le mouvement et la finesse des corps, ainsi que sur la subtilité des gestes. A travers cette expérience artistique unique, l’apprenti- chorégraphe a proposé une installation étonnante. Il a eu l’idée de mettre en scène les corps des danseuses et danseurs dans le but de réaliser des motifs originaux, faisant ainsi des corps des membres du ballet des éléments picturaux plutôt que des éléments centraux. Ce fût notamment le cas avec un gigantesque œil qui observe le public. Cette installation a fait réagir de nombreux internautes qui n’ont pas manqué de comparer l’œil à Big Brother de George Orwell, dans l’œuvre littéraire « 1984 ». Suite au succès de cette collaboration exceptionnelle, la troupe du New York City Ballet a même proposé à JR de s’occuper de la chorégraphie d’une nouvelle performance dès le printemps 2015.

Comme à son habitude, JR surprend, dépasse les codes de la photographie et magnifie la danse à merveille. Quand la danse rencontre la photographie, cela donne une dimension intime, subtile et rare. De quoi enchanter les amoureux de l’art.

« Pendant 15 ans, j’ai vécu dans la jungle amazonienne en Colombie et j’ai donc peint son paysage avec mes aquarelles grand format. C’est un être vivant comparable à une femme pour sa beauté, ses formes, son intérieur, ses parfums et pour cet amour infatigable qui porte de nouveaux fruits. Nos ancêtres incas, mayas et aztèques avaient raison de l’appeler Pachamama, car ils ont vu ce que je ressens lorsque j’entre dans sa lumière profonde et que je déchiffre ses labyrinthes et ses formes.

J’éprouve mes peurs et sa polychromie sans fin et c’est ainsi que dans chaque création je trace une carte pour la parcourir et y vivre en plaçant l’observateur dans un dialogue interne d’harmonie avec la nature devant mes créations.

Ces jungles sont notre vie, elles sont la vie de la planète Terre: elles sont de l’eau douce, elles sont de l’air pur, elles sont de la nourriture, elles sont de l’humidité, elles sont des médicaments, elles sont du toit, elles sont de la biodiversité mais elles sont aussi de la mulâtre, des Indiens, métis, noir, américain, ils sont sacrés, ils sont humanité, ils sont pour tous, ils sont notre essence.

Ce n’est pas la jungle de New York ou de Paris ; ce n’est pas la Natura de Rome, ni la Cybèle de Grèce ou de Pékin ; elle est notre mère la Terre, est la Pachamama de García Márquez, de Simón Bolívar, de José Eustasio Rivera, de Neruda, de Chico Méndez, de Bertha Cáceres, de Juan Ceballos et de nombreuses autres personnes qui ont donné leur vie pour le protéger du progrès et de la technologie dévastatrice du capital.

« Dans chaque œuvre, je nourris un sentiment intérieur et un respect des secrets de cet immense être vivant qui ne peut exister que par l’acte créateur d’une intelligence suprême, souveraine et infiniment parfaite, comme celle de Dieu. »

Cesar Bertel

Une caractéristique importante de mes aquarelles est qu’elles sont majoritairement dans de grands formats, dans des papiers non-tissés, où je n’utilise plus de verre et avec cette procédure très ancienne, leur vie est prolongée indéfiniment. »

Fernando Botero est un artiste aux multiples facettes, intéressé par la tradition latino-américaine et l’histoire de l’art européen. Ainsi, son regard exprime sa fascination pour les exubérantes proportions, reflet de son amour pour l’art précolombien et les formes importées de l’art italien des XIVè et XVè siècles, où l’on vouait un véritable culte à l’exaltation du volume.

Si l’artiste s’attarde sur des sujets aussi différents qu’une scène de rue, des portraits ou des natures mortes, une homogénéité stylistique prédomine pourtant. D’un coup d’œil, on remarque des formes rondes et voluptueuses, que ce soit pour les personnages ou les objets du quotidien. Les couleurs sont aussi sa marque de fabrique avec la présence de tons chauds et de couleurs vives. Si les personnages de Botero sont mondialement célèbres, ses natures mortes, elles, sont beaucoup moins connues du grand public… Pourtant, elles sont primordiales pour une bonne compréhension de son œuvre.

A travers les cinq toiles exposées, on peut apprécier la proximité stylistique, la cohérence qui existe sur des sujets si différents. C’est d’ailleurs ce que l’artiste a souhaité exprimer. Pour lui, la prédominance stylistique importe plus que le sujet lui-même.

« Je pense qu’il est très important que la cohérence stylistique domine la forme d’expression. En d’autres termes, dans mon travail, vous constaterez que chaque élément est représenté dans le même style. Cette manière imprègne toute la toile. Quand vous voyez une nature morte, vous remarquerez que les couteaux et les fourchettes, le fruit, la table, la serviette de table, tout est rendu de la même façon, de sorte que toute l’œuvre dégage un sentiment d’unité, d’harmonie et de cohérence. C’est ce qui communique son essentielle vérité. »

Fernando Botero

Fernando Botero a trouvé son style inimitable en peignant une mandoline lors de son séjour au Mexique. La forme ronde de la mandoline a alors été transposée aux personnages, aux femmes et hommes se trouvant dans ses toiles. Avec cette exposition au sein du Beau Rivage Palace de Lausanne, les curieux, néophytes et amateurs d’art ont l’opportunité exceptionnelle d’apprécier le style Botero à travers des œuvres variées de l’artiste sud-américain, le plus talentueux et le plus reconnu de sa génération.

Avant d’intégrer l’École des Beaux-Arts de Perpignan, André Nadal a d’abord appris le dessin industriel à une époque où l’on dessinait encore de ses mains. Est-ce de là que lui vient sa précision magistrale, tant dans la qualité de son trait que dans la structure de ses œuvres ? Formes géométriques parfaites construisant des motifs complexes et fascinants, ses compositions flottantes monochromes comme polychromes témoignent d’une imagination sans limites.

Très épurée, son expression artistique rend hommage au noir et blanc. En jouant avec différentes techniques de brossage et de lissage, avec la matité ou la brillance de la peinture comme du support, ombres et lumières se mêlent conférant à ses œuvres une profondeur et une richesse singulières.

« Pour moi la monochromie permet justement d’aller dans la contradiction. De la pauvreté de la couleur – parce qu’une couleur c’est pauvre par rapport à une palette – il faut sortir une richesse maximale […], un sujet qui soit réellement fort, et qui soit vraiment émouvant pour les yeux. »

André Nadal

Dès 1948, il est en charge de photographier les accidents de la circulation ainsi que les activités du corps de police du canton de Nidwald en Suisse. Certaines des prises de vues sont au départ des preuves pour les compagnies d’assurance, destinées notamment à documenter les accidents de la route, comme nous pouvons le voir dans la série “Karambolage”, mais aussi des actes de vandalisme ou encore des catastrophes naturelles.

Outre ses photographies d’accidents de voiture, Odermatt utilise son appareil photo pour recréer des scènes de la vie quotidienne de la police de Nidwald dans l’espoir de séduire les jeunes et les encourager à rejoindre les rangs de la police. Ce qui reste des accidents se transforme en scène de paysage romantique. Le drame laisse alors place à une nostalgie liée à un surréalisme mis en évidence par une atmosphère pittoresque ou par des cadrages à composition à la fois complexe et harmonieuse.

Arnold Odermatt aura photographié le quotidien de la police nidwaldienne pendant quarante ans, sans que ses clichés ne fassent l’objet de l’attention de la presse locale. Après son départ à la retraite en 1990, il découvre de façon inattendue la célébrité en tant qu’artiste lorsque ses photographies sont découvertes par son fils qui les rendra visibles au public. Harald Szeemann présente ses œuvres à la 49ème Biennale de Venise en 2001.

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