Depuis 1988, il travaille avec la célèbre fonderie Da Prato située à Pietrasanta en Toscane. Ce haut lieu de l’artisanat permet à Jacques Basler de réaliser ses bronzes notamment en utilisant la technique de coulée à la cire perdue. La réputation de cette fonderie qui s’est dans un premier temps, spécialisée dans l’art sacré n’est plus à faire. Depuis 1963, elle a collaboré avec des artistes de grande renommée comme G. Pomodoro, Penalba, Yasuda, et Botero. C’est alors que la réputation de Jacques Basler se confirme, faisant de lui un sculpteur incontournable de la Suisse. Par ailleurs, son approche de l’art se veut humble et pragmatique notamment lorsqu’il affirme :

« Je pense qu’ils [les artistes] sont à la société ce que les microbes et les bactéries sont à la vie : indispensables. On les croit inutiles, tout le monde lutte contre eux, mais sans eux la vie ne serait pas possible. Quant à l’art, j’y réfléchis depuis près de quarante ans… Pour moi, c’est quelque chose de subjectif qui sort de mes tripes et qui accède à ce statut une fois vendu. D’autant que je considère chaque sculpture vendue comme un miracle. »

Jacques Balser

Ses œuvres commencent alors à sortir de son atelier et de sa galerie pour sublimer les rues et les places. Des lieux publics accueillent ses sculptures, et des entreprises lui font confiance. C’est ainsi qu’on retrouve ses œuvres dans des lieux comme la place Chauderon à Lausanne, ou au sein du jardin du château de Rive à Lutry. Ses sculptures investissent aussi le Crédit Suisse de Genève et le CFPS de Courtepin.

Si l’artiste est reconnu en Suisse, son art, lui, franchit les frontières. L’Area Museale Ca’ la Ghironda à Ponte Ronca en Italie décide d’accueillir ses sculptures. Cette institution est un célèbre musée d’art moderne qui se situe à seulement quelques minutes de la ville de Bologne. Que ses œuvres d’art puissent être accueillies dans une telle institution est révélateur d’un talent indéniable et d’une certaine forme de consécration, faisant de lui le sculpteur suisse le plus doué de sa génération.

« Mes personnages sont un mélange d’art populaire latino-américain et de peinture de la Renaissance italienne. »

Fernando Botero

Après une exposition qui ne rencontre pas son public à son retour à Bogotá, il s’installe à Mexico. C’est dans cette ville qu’il trouve son style avec l’œuvre Nature Morte à la Mandoline.

« Un jour, après avoir travaillé dur, j’ai pris un crayon au hasard et j’ai dessiné une mandoline avec de très grandes formes, comme je le faisais toujours. Mais quand j’ai dessiné le trou au milieu de l’instrument, je l’ai rendu beaucoup plus petit et soudain la mandoline a pris des proportions d’une ampleur extraordinaire. »

Fernando Botero

C’est alors que naît le style de Botero, reconnaissable au premier coup d’œil. Le concept de volume l’habite et il veut rétablir une dimension qu’il considère comme oubliée, surtout dans la peinture contemporaine. Le travail sur cette nouvelle dimension donne une qualité douce et voluptueuse à ses personnages. A l’âge de 41 ans, il se tourne vers la sculpture et crée des œuvres monumentales aux dimensions exceptionnelles.

« La rue m’inspire. Je viens du street art. JR est mon nom de tag. J’aime les gens et me nourris de leurs émotions. »

JR, interview au Huffpost

Par la suite, il réalise ses premiers collages en très grands formats. Très vite son exposition est remarquée, et la mairie de Paris décide d’afficher certaines de ses photos sur ses propres bâtiments. Sa démarche est novatrice puisqu’il décide de faire sortir l’art des musées. Proche des aspirations du street art, il emmène l’art dans la rue, à la rencontre du plus grand nombre, et notamment des populations défavorisées qui n’ont pas la chance d’entrer dans un musée. C’est en 2007 que son art s’internationalise lorsqu’il décide de réaliser une grande exposition illégale composée d’immenses portraits d’israéliens et de palestiniens de part et d’autre de la frontière. En 2008, il renouvelle l’expérience avec des portraits des habitants des favelas de Rio de Janeiro. Après quoi, cette même démarche l’emmène au Sierra Leone, au Liberia, au Kenya, en Inde et au Cambodge.

En 2014, il colle un regard de femme sur un porte-conteneur dans la ville française du Havre. Son collage avec ce regard de femme perçant fait le tour du monde et voyage jusqu’en Malaisie. La même année, il réalise un nouveau projet qui se nomme «The Wrinkles of the City », dans lequel il choisit des habitants ridés pour les exposer dans leur propre ville. Pour cela, il se rend à Carthagène, à Shangaï, à La Havane, à Los Angeles ou encore à Berlin ou Istanbul. Avec le temps, il continue ses collages géants dans des lieux insolites comme au Panthéon ou sur la pyramide du Louvre à Paris. L’artiste s’oriente aussi vers le cinéma et réalise des documentaires afin de garder une trace de son approche artistique et de ses réalisations.

« Mes œuvres sont comme une aventure. Elles sont un lieu, elles sont une fenêtre qui vous permet d’entrer dans la jungle. »

Cesar Bertel, in destinosverdes.com

S’inscrivant dans une tradition artistique sud-américaine plus large, il fait référence à García Márquez, Simón Bolívar, José Eustasio Rivera, Neruda, Chico Méndez, Bertha Cáceres, ou encore Juan Ceballo.

L’aquarelliste de renom s’est tout d’abord fait connaître en Colombie. Il a tour à tour exposé dans différentes villes du pays comme à Bogotá, Cartagena, Barranquilla, Bucaramanga et Santa Marta. Puis ses œuvres s’aventurent hors des frontières de la Colombie pour être exposées en Équateur et au Venezuela. A partir de 2010, ses peintures franchissent l’Océan Atlantique et viennent sur le vieux continent. Elles arrivent alors à Paris mais sont aussi exposées à Namur en Belgique, Munich en Allemagne, Madrid et Barcelone en Espagne. Le peintre se rend également aux États-Unis et notamment à Miami et Washington DC avant de partir en Asie. Ses aquarelles sont présentées lors d’expositions et de festivals internationaux à Shanghai, Beijing en Chine, ainsi qu’à Singapour.

Enfin, Cesar Bertel a obtenu de prestigieuses récompenses. Il a notamment été sélectionné pour représenter la Colombie au concours biennales et triennales des aquarellistes en Colombie, en Équateur, en Espagne et au Mexique. Il est aussi Délégué des Nations Unies en Colombie pour toutes les questions liées au développement durable.

1962 : l’Algérie est indépendante. Il a 10 ans. Il arrive alors en France dans la région de Perpignan, où il retrouve une partie de sa famille.

Très tôt il se passionne pour le dessin (des voitures de sport, exclusivement) et c’est naturellement qu’en 1969 il s’oriente vers des études secondaires de dessinateur industriel. Puis il fréquente les cours de dessin de l’École des Beaux-Arts de Perpignan et opte pour l’architecture d’intérieur.

En 1980 naît sa fille Isabelle. Deux ans plus tard en jouant avec elle, presque accidentellement, il découvre la peinture abstraite.

« Je suis venu à la peinture vraiment d’une manière fortuite : en m’occupant de ma fille un dimanche, quand elle était bébé. Je l’ai vue peindre et ça m’a donné tellement envie ! Alors j’ai peint avec elle. Et là, je me suis découvert. J’ai découvert que j’avais la facilité de peindre des choses qui me plaisaient et qui étaient … merveilleuses pour moi ! Et voilà : depuis, je peins. Je peins maintenant comme je respire. »

André Nadal

En 1983, à la suite d’une série de voyages, notamment aux États-Unis, il décide d’abandonner le dessin industriel afin de se consacrer à la peinture.

Son style se caractérise par des formes géométriques extrêmement précises, des motifs répétés, des entrecroisement de lignes, des symétries parfaites. Il affectionne tout particulièrement la monochromie comme en témoignage ses nombreuses œuvres en noir et blanc.

« Je pense que mon travail a un côté hypnotique. Il captive aussi bien l’œil que le cerveau du spectateur, tout en restant très simple d’apparence. Je peux le voir dans ceux qui apprécient mon travail : ce sont souvent des perfectionnistes, qui possèdent des maisons où règne une certaine notion d’ordre. Mes œuvres prennent toute leur ampleur dans des intérieurs épurés. »

André Nadal, in artistes-occitanie.com

Depuis 2007, il partage son temps entre son atelier du sud de la France et celui de Paris.